Archive for Arte

El Museo de la Siderurgia y la Minería celebra el Día Internacional de los Museos

El Museo autonómico de la Siderurgia y la Minería, con sede en Sabero (León), organiza una programación especial para conmemorar el Día Internacional de los Museos, que en esta edición se desarrolla bajo el lema ‘Museos hiperconectados: enfoques nuevos, públicos nuevos’. El día 18 de mayo, a las 18 horas, acogerá la proyección del documental ‘La Cuenca de Fabero. Los oficios mineros’, dentro del ciclo de cine ‘Cuencas Mineras de Castilla y León’.

Este documental, promovido por la Consejería de Cultura y Turismo y realizado por Producciones Carrera, inmortaliza el patrimonio y la tradición minera de esta cuenca leonesa del Bierzo, que da nombre al pueblo. La actividad está destinada a todos los públicos con entrada libre hasta completar el aforo. Ese mismo día, a las 22 horas, el MSM celebra ‘La Noche de los Museos’, con la actuación de Quique Matilla.

El domingo 19 de mayo, a las 10 horas, el museo inicia su nuevo ciclo de rutas de senderismo `Siguiendo las huellas de Casiano de Prado´, dentro de su programa MSM Activo, con el que quiere dar a conocer el trabajo geológico que el ingeniero de Minas Casiano de Prado realizó para la Sociedad Palentino-Leonesa de Minas, promotora de la Ferrería de San Blas de Sabero, recorriendo los lugares que él visitó y estudió.

El mismo día a las 12 horas tendrá lugar una nueva sesión del programa ‘Sábados de Acción’, dirigido a niños de entre cinco y 12 años, que desarrollarán actividades en torno al arte, la ciencia, la literatura y el medio ambiente, en esta ocasión con el conocido grafitero Iván Rodríguez. El objetivo del taller es dar a conocer a los más pequeños el arte urbano, el arte del grafiti y la pintura mural, sus peculiaridades y características más esenciales. El taller es gratuito previa inscripción en el museo o a través del teléfono 987 71 83 57 (plazas limitadas).

Periodistas de ocho países conocen la provincia

Periodistas especializados en viajes procedentes de México, Italia, China, Estados Unidos, Bulgaria, Perú, Canadá y El Líbano conocen estos días las singularidades de la provincia leonesa, con motivo del título de Capitalidad Española de la Gastronómica que ostenta la capital durante este año, en el desarrollo de una ruta organizada por el Consorcio Provincial de Turismo.

Durante cuatro días visitarán la Cueva de Valporquero, el Monasterio de Carracedelo, Astorga, Castrillo de los Polvazares y la propia ciudad de León, además de diversas fábricas y empresas dedicadas al sector agroalimentario. El vicepresidente de la Diputación, Francisco Castañón, les dio hoy la bienvenida en el Salón de Plenos del Palacio de los Guzmanes y les adelantó que disfrutarán “de la riqueza de nuestros productos autóctonos, pero también podréis comprobar lo mucho y bueno que ofrece nuestra provincia cultural, patrimonial y medioambientalmente”.

Francesc Boix, el fótografo que mostró el horror de Mauthausen

La Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH) inauguró el jueves en el Museo del Bierzo la exposición sobre Francesc Boix, conocido como el fotógrafo de Mauthausen. La muestra presenta la historia del horror sufrido por los más de 9.000 deportados republicanos españoles a los campos de concentración y exterminio durante la II Guerra Mundial. La exposición fotográfica se completa con dos dioramas elaborados por la Asociación Berciana de Modelismo que reflejan, por un lado, la barbarie nazi y, por otro, la Guerra Civil Española, con la representación de una exhumación de una fosa común del franquismo.

En ese sentido, la muestra pretende mantener viva la memoria de este voluntario del Ejército Republicano durante la Guerra Civil Española, que se exilió a Francia al término del conflicto y cayó prisionero de las fuerzas alemanas que invadieron el país galo en 1940. Tras su captura, el fotógrafo ingresó en el campo de concentración de Mauthausen el 27 de enero de 1941 con el número de preso 5.185.

La muestra, comisariada por Benito Bemejo, también fija su mirada en los 12 deportados de origen berciano que figuran en las entradas del libro ‘Españoles deportados a los campos nazis’, escrito por el propio Bermejo junto a Sandra Checa. De los 9.329 prisioneros españoles en los campos de la muerte, sólo sobrevivieron 3.809, el 41 por

El fotógrafo del horror

Respecto a las imágenes, los fuertes lazos políticos entre los españoles prisioneros fueron los que permitieron camuflar el material fotográfico y sacar los negativos de las instantáneas tomadas por los propios jerarcas nazis en los paquetes de comida que les suministraban a los obreros de una cantera. Tras la liberación de Mauthausen en 1945, el catalán se apodera de la cámara Leica que usaban los alemanes y que se convertirá a partir de entonces en su arma más efectiva contra los enemigos.
Boix ejerce de reportero durante los días inmediatos a su liberación. Testimonia con sus fotografías escenarios como el primer congreso de los comunistas españoles deportados celebrado en las duchas y el impresionante trabajo de la agonía y muerte de Ziereis, comandante del campo. Las instantáneas del fotógrafo catalán fueron de gran utilidad como prueba durante el desarrollo de los juicios de Nüremberg, donde fue el único testigo español.

Tras la guerra, Boix trabajó en París como reportero fotográfico de publicaciones de tipo comunista como la revista ‘Regards’ o los periódicos ‘Ce Soir’ y ‘L’Humanité’. Tan sólo cinco años después de su liberación, en 1951, murió a la temprana edad de 30 años, afectado por los estragos que causó en su cuerpo la estancia en los campos del horror.
Su legado se transformó en el año 2000 en un documental dirigido por Llorenç Soler, producido por Oriol Porta y en el que también participa el investigador Benito Bermejo. El documental, que reúne los testimonios de muchos compañeros de Boix, recibió varias distinciones y fue candidato a los Premios Emmy internacionales en el año de su estreno.

El arte contemporáneo mira al Camino de Santiago en el MUSAC

La exposición ‘Muchos caminos. Imágenes contemporáneas del Camino de Santiago’, que se abre al público este sábado en el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), ubicado en la capital leonesa, reflexiona a través de obras de 46 artistas contemporáneos sobre la realidad paisajística, antropológica, cultural, histórica, espiritual y religiosa del Camino de Santiago y la peregrinación que lo motiva, pero ante todo, sobre las experiencias que de él se derivan.

Se trata de un proyecto coproducido por la Junta de Castilla y León a través del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, la Embajada de España en Italia y la Real Academia de España en Roma, donde pudo verse entre octubre y diciembre de 2017. Para su presentación en MUSAC, donde podrá visitarse hasta el 2 de septiembre, la exposición se amplía con 44 nuevas obras respecto a su sede romana, con las que se dota de especificidad al proyecto en el contexto de León, ciudad atravesada por el Camino francés.

El título de la exposición alude no solo a las numerosas vías que conforman el Camino, sino a la multiplicidad de experiencias derivadas de recorrerlo, tan variadas como las motivaciones y subjetividades de las personas que lo han caminado desde sus orígenes medievales, vinculados a la expansión del cristianismo, hasta hoy. Esa multiplicidad de caminos y de formas de entender el caminar ha generado históricamente una peregrinación de la que han surgido rutas que modificaron los paisajes, pueblos y ciudades con calles y edificaciones vinculadas al Camino, oficios, formas de ejercer la hospitalidad y obras de arte que se han sucedido hasta hoy.

‘Muchos caminos’ trata de dar cuenta del estado del Camino y su sentido en la actualidad a través de 88 obras en diferentes medios distribuidas en 800 metros cuadrados de exposición -principalmente fotografía y vídeo, pero también instalación, pintura o escultura-, bien vinculadas directamente con la peregrinación, bien relacionadas con el paisaje, la mística, la historia de las religiones, el arte, los sucesos históricos que han afectado al Camino de Santiago o la realidad actual de las zonas rurales atravesadas por la ruta jacobea.

Dichas cuestiones serán abordadas a través de tres apartados temáticos: el destino de la peregrinación relacionado con el ansia humana de rebasar lo conocido; el encuentro entre el ‘yo’ y el mundo derivado de la experiencia de caminar y; por último, los acontecimientos que han marcado la historia del Camino. En dichos apartados podrán verse obras de los artistas Eugenio Ampudia, Jorge Barbi, Bleda y Rosa, Zoulikha Bouabdellah, Enrique Carbó, Gabriel Díaz, Esther Ferrer, Rubén Grilo, José Antonio Juárez y Jesús Palmero, Ángel Marcos, Mariona Moncunill, José Val del Omar, Sophie Whettnall, Peter Wüthrich, o Kiyoshi Yamaoka, entre otros.

‘Muchos caminos’ se completa con un programa de actividades que amplían y complementan los temas abordados en la muestra, y que incluirán un taller y una performance de la artista Esther Ferrer en abril, un concierto de música medieval relacionada con el Camino en el mes de mayo, un encuentro entre el artista Antonio Fiorentino, que recorrerá el camino francés durante la duración de la exposición y peregrinos a su paso por León; así como un ciclo de cine de vera

Bachillerato de Investigación de Excelencia en el Gil y Carrasco, otra alternativa antes de la universidad

Luis Boya Fernández

El Bachillerato de Investigación/Excelencia (BIE) constituye una opción educativa dentro de los estudios de bachillerato. El centro ponferradino IES Gil y Carrasco situado en la Plaza del Ayuntamiento de Ponferrada, cuenta con la opción de cursar unos estudios posteriores a la Educación Secundaria Obligatoria centrados en la investigación pero compartiendo los pilares del bachillerato ordinario.

Esta rama del bachiller está dirigida al alumnado que tenga interés en profundizar en el ámbito de los métodos de investigación. El BIE es una oportunidad ofertada por los centros que poseen las competencias necesarias y tienen la capacidad de acoger este proyecto efectuándolo con éxito. Por lo que se imparten conocimientos a mayores con el objetivo del siguiente paso, la universidad. Sin embargo, a efectos de acceder a la universidad, los alumnos están en igualdad de condiciones respecto al resto. Todos los estudiantes de bachillerato se presentan a las mismas pruebas y con los mismos requisitos de conocimiento. Dentro de Castilla y León se contabilizan 17 centros que ofrecen este bachillerato.

La provincia de León cuenta con 3 centros que imparten esta modalidad. En Ponferrada solo se encuentra en el IES Gil y Carrasco, centro que hace conmemoración con su nombre al ilustre escritor berciano Enrique Gil y Carrasco, autor del Señor de Bembibre. Este centro cuenta con el BIE de Ciencias y Tecnología. Por otro lado, en León se encuentran los otros dos centros que poseen esta modalidad en la provincia. El IES Claudio Sánchez Albornoz, que alberga la rama de Ciencias y Tecnología, mientras que el IES Juan del Enzina alberga las Humanidades y las Ciencias Sociales.

El profesorado de la ULE imparte clases prácticas al alumnado del BIE en Ponferrada

En el centro académico ponferradino, los bachilleres de esta modalidad asisten a prácticas que ofrecen las distintas áreas de la Universidad de León. Fisioterapia, Ecología, Física Aplicada, Botánica, Geomática y Zoología son las distintas Áreas de conocimiento de la ULE que colaboran con el IES Gil y Carrasco. Durante estas clases se realizan prácticas de laboratorio y de campo. Además, permiten dar conocimiento sobre Fisioterapia y Geolocalización, declara Graciela González Sierra, coordinadora del BIE en el IES Gil y Carrasco.

En el curso 2014/2015 se abrieron las puertas de esta nueva oportunidad educativa. Actualmente el Gil y Carrasco cuenta con dos promociones finalizadas. La última promoción se graduó en junio del 2017. Tanto el profesorado como el alumnado están elegidos bajo unos criterios de selección que posee la junta directiva del centro. Actualmente, la directora del centro es Susana Pereira, incorporada a la dirección este curso académico.

Al finalizar segundo de bachilellerato los alumnos deben presentar un proyecto final

Después de haber finalizado los dos cursos del bachillerato los alumnos deben exponer ante un tribunal un proyecto final, a modo de TFG (Trabajo Fin de Grado).

Sin embargo, estos jóvenes cuentan con más conocimientos científicos y de investigación que los bachilleres ordinarios. Actualmente, el Plan Bolonia lidera las universidades españolas. Dentro de este método educativo se fomenta la investigación y los trabajos prácticos. Por lo tanto, esta modalidad es una manera de preparar a los jóvenes para su futuro académico.

Para poder acceder al Bachillerato de Excelencia es necesario un 7 de media en la ESO. La baremación de las notas de Física y Química junto con Biología conforman una parte importante de la decisión. Los alumnos son preparados para el Plan Bolonia y tienen conocimiento de opciones de futuro dentro de las áreas científicas impartidas. Además, gozan de ser grupos reducidos con un total de 15 alumnos en primero de BIE y 17 en segundo de BIE en el IES Gil y Carrasco, según declaró a este medio Graciela González Sierra.

El bigote de Dalí

“Genio y figura hasta la sepultura” reza el refrán. Salvador Dalí, el pintor de sueños catalán dormía plácidamente el sueño eterno bajo una losa de tonelada y media cuando esta semana ha sido incordiado por primera vez desde 1989.

Extravagancias de fantasma

Vivió en rodeado de ese halo que a los genios se les acerca y les acompaña siempre. Un halo de magnificencia, de superioridad creativa y de extravagancia. La imagen de Einstein desmelenado y con la lengua fuera: esa era la carta de presentación de Dalí.

Mirada extraviada, bastones sacados de cuentos de hadas, pinturas imposibles, y eses fino bigote que desafiaba siempre a la gravedad buscando las 10,10 horas en el reloj.

El personaje de Dalí mantiene esa extravagancia y revuelo estos días debido a la exhumación de su cuerpo embalsamado para testar una posible paternidad. A la presunta hija le correspondería un buen pizco del patrimonio del artista. Y como poderoso caballero… se remueve cielo y tierra, porque queremos mucho a nuestros padres. Sobre todo si tienen algo que legarnos.

El caso es que la Fundación Dalí ha tenido que acceder a la orden de exhumación. Nunca un museo estuvo tan sellado. Un dispositivo de seguridad impedía el acceso hasta de una mosca; teléfonos móviles confiscados; la cúpula de cristal sobre el sepulcro velada para evitar escandalosas tomas con drones. Y la prensa agolpada en la puerta esperando algún titular digno del Genio de Figueres.

No tardaría la cosa en llegar. Tras tomar algunas muestras de pelo, uñas, pedirle prestados al pintor varios dientes y un par de huesos largos, las “trocitos de artista” abandonaron el lugar para ser estudiados.

La prensa ávida de titular y morbo tuvo lo que buscaba. “El bigote de Dalí seguía marcando las 10,10 horas”.

Ay Salvador, ni descansar te dejan, aunque quizás todo este revuelo sea parte de tu genio creador. Todo este revuelo mediático seguro que forma parte de una performance que dejaste por hacer en vida. Dalí, y su bigote lo han vuelto a hacer. La Fundación dice que este asunto les causará pérdidas y trastornos. Yo creo que el viejo Genio Loco les ha echado una mano. El morbo vende más entradas que el arte. Eso lo supo bien en vida Salvador.

FOTO JAUME MOR

¿Estamos preparados para “entender” el Arte Contemporáneo?

“Eso lo hace hasta un niño pequeño, ¿y lo llaman Arte?”. Quién no haya escuchado nunca esta frase es que no ha pasado demasiado tiempo recorriendo exposiciones de Artistas actuales. Sí, es una frase recurrente. Tan manida y malintencionada que sin querer acaba por darle sentido a todo este asunto del Arte. Al menos crea una opinión, una sensación. Aunque sea de rechazo; a veces al artista le vale con eso.

Las cosas por su nombre

Bueno, esto trae cola. La nomenclatura de Arte Contemporáneo se acepta académicamente a todas las tendencias artísticas que se suceden desde la propia Edad Contemporánea; es decir, desde finales del S. XVIII, el Siglo XIX, las Vanguardias del XX y algo más… Algo más que viene a ser el Arte Moderno. O sea el de nuestro días, el mal o bien llamado coloquialmente Contemporáneo.

La Muerte de Marat (David)

Vamos, entre nosotros lo mismo da ocho que ochenta si nos acabamos entendiendo, pero nadie pone el grito en el cielo cuando se habla de La Muerte de Marat de Jacques Louis David; sin embargo nos “chirría” un poco el famoso Cuadro Blanco sobre Blanco de Malévich o el 4’33” de Cage. Por no hablar de lo que nos podemos encontrar en ARCO, el MOMA, MUSAC… territorio comanche para los amantes del figurativismo.

Será cosa de la época…

Siempre se dice que los artistas nunca fueron comprendidos en su tiempo. Que El Greco pintaba “raro”, que Courbet escandalizaba al mundo con su cuadro de las “vergüenzas” femeninas y que las Vanguardias eran demasiado “modernas” para su época. No estoy muy de acuerdo. Bach, revolucionó la música de su tiempo y se convirtió en uno de los compositores más seguidos y estudiados durante la etapa que le tocó vivir. Aquí en España tuvimos y tenemos (pues en Barcelona se encargan de que sea eterno) a Gaudí. Modernista, Vanguardista que recibía encargos de las clases más pudientes del país. O qué me dicen de Dalí… el Genio loco que pintaba sueños y que sin embargo era admirado como artista. Así que eso de que los artistas se adelantan a su época y la sociedad no está preparada para entender sus obras como que no sirve.

White on White (Malévic)

Pongámonos en esta tesitura: ¿realmente es necesario entender los que se nos muestra? es decir, comprender a la perfección lo que el artista imaginó en el momento de su creación. ¿Es eso lo que buscan los artistas? y la pregunta del millón: ¿Qué es y dónde están los límites del Arte?

De menos a más, o no, según se mire. El Arte es una actividad que tiene una finalidad o bien estética, o comunicativa, que busca expresar o despertar emociones… aunque también puede tener finalidades lucrativas, puede que se adhiera a movimientos políticos y propagandísticos; o incluso puede que no tenga ninguna de las finalidades anteriores. Entonces volvemos a mordernos la cola. Creo que la respuesta es más sencilla que cualquier especulación sobre conceptos de belleza o finalidades. El Arte es todo aquello que ha sido capaz de ser creado por la mano del hombre. El Arte nos rodea. La música que suena en la radio del coche, la propia radio y el coche también son Arte. El mundo pasado, en el que vivimos y el fututo es Arte. El ser humano tan sólo con su actividad capaz de transformar la realidad se convierte en artista. Eso sí, no todos cobran lo mismo.

Ahí, y dejando al lado la bucólica definición del concepto de Arte entra el otro “Arte”, el del mercado. Planteándose entonces una nueva pregunta: ¿Quién es entonces un artista? de los de galería me refiero… la respuesta es un poco tristona pero realista; lo es quién diga el mercado que lo es.

Esto no quiere decir que sólo responda a cuestiones económicas, pero los límites del Arte se han vuelto tan difusos y ambiguos que al final acaban por entrar en el juego los críticos, galeristas, coleccionistas… pero como en todo (ahora se ve mucho con el vino y las ginebras).

El Arte no se autoimpone límites. Se los impone el espectador y la sociedad. Para bien y para mal. La sociedad está preparada para todo. Pero somos nosotros mismos los que nos convertimos en censores y jueces de lo que erróneamente consideramos que es correcto. Le aplicamos al Arte un carácter moral que ni siquiera tiene por qué tenerlo.

Y sí, hay obras que bien podría haberlas hecho un niño pequeño. Pero recuerden esto antes de que visiten un museo Contemporáneo”: los niños pequeños también son artistas. El mercado manda (y bastante), pero al final somos nosotros los que terminamos por consumir Arte, nos guste o no. El asunto de la Belleza ya es harina de otro costal…

https://www.youtube.com/watch?v=JTEFKFiXSx4

Les Luthiers, Premio Princesa de Asturias

Corría el año 1965 cuando un grupo de estudiantes argentinos de distintas disciplinas se hacen con los originales de Laxatón. Cantata compuesta por el “insigne” Johan Sebastian Mastropiero, con su letra extraída del prospecto de un medicamento para los alivios intestinales.

No era más que la carta de presentación de la revolución del humor musical que alcanzaría niveles mundiales. Parodiando las cantatas barrocas e introduciendo instrumentos estrambóticos de propia creación, nace en el corazón de Argentina un nuevo estilo de espectáculo.

Les Luthiers, 50 años después se han convertido en uno de los referentes musicales, del humor y del espectáculo a nivel mundial. Habiendo superado la desaparición de Daniel Rabinovich en 2015, no han dejado de llenar escenarios con su satírico estilo. Los Monty Python bonaerenses, estos inventores de instrumentos, estos luthiers llevados a la caricatura son a día de hoy, en sus bodas de oro Premio Princesa de Asturias.

Humor atemporal

Aunque algunos de sus componentes están disfrutando ya de unos placenteros 70 años, se declaran más jóvenes que nunca. Igual que su particular manera de hacer espectáculo. Algo fresco, inteligente, lejos de estereotipos que redundan el lo grotesco. Humor elegante con música elegante que ha hecho posible que varias generaciones los hayan disfrutado y que los disfruten allá donde vayan.

Tras años nominados al Premio, por fin en este 2017, el Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades recae en las manos de los argentinos artesanos del humor.

Embajadores de su patria, queridos por todo el mundo, y grandes amantes de España ahora se encuentran sumergidos en su gira por Argentina con Gran Reserva. En septiembre como cada año volverán a los escenarios españoles, donde cada vez gozan de público más joven.

El premio, bien merecido, todos y cada uno de Les Luthiers se lo dedican a Daniel. Componente que sigue vivo en sus espectáculos y en sus reconocimientos. Un Mastropiero real que los dirige allá donde esté.

Enhorabuena por el Premio a los genios del show. Enhorabuena a Les Luthiers.

Pieter Brueghel el Viejo; La batalla entre don Carnal y doña Cuaresma por el pincel de un flamenco

Óleo sobre tabla. 118 centímetros de alto por 164 de ancho. Año 1559. Pieter Brueghel el Viejo pinta Het Gevecht tussen Carnival en Vasten; en buen “cristiano” El combate entre don Carnal y doña Cuaresma.

Pieter Brueghel el Viejo:/ Autorretrato

Pasado ya el Miércoles de Ceniza de la tradición cristiana, es un buen momento para aclarar un poco qué es esto que tanto suena y de lo que tan poco sabemos como son las dos figuras de Carnal y Cuaresma.

Don Carnal

Comenzaremos hablando de lo que hoy en día llamamos y celebramos como Carnaval. Esta festividad tiene su origen en lo que en las culturas grecorromanas llamaban las Saturnalias. Festivales en los que el hombre, dado a los excesos y a los placeres de la “carne” era el principal protagonista. No nos son ajenos los términos “orgía” o “bacanal”. Saturnalias en honor al Dios Saturno, Bacanales, al pérfido de Baco. Placer, puro y duro. Aunque bajo el pretexto de satisfacer a los dioses, estas Saturnalias no eran más que en realidad excusas para hacer del hombre el centro de atención de la vida. Vida plena, placentera y desenfrenada en la que las pasiones y debilidades más bajas tenían cabida sin ningún tipo de filtro. A excepción de las primeras mascaradas. Juego en el que se cambiaban los papeles, hombres por mujeres, mujeres por efebos, nobles por siervos… En definitiva el carnaval. Don Carnal, aunque no coceremos su nombre hasta el S. XIV, en el “Libro del Buen Amor” del Arcipreste de Hita.

Doña Cuaresma

Si el hombre es el centro de atención de las Saturnalias carnavalescas. Para Doña Cuaresma lo es la divinidad. Dios es el centro del universo y los mundanos habitantes de su reino le deben sumisión, obediencia, respeto y veneración a través de las privaciones que tanto irritan a Carnal; el ayuno, la abstinencia, la rectitud y la pureza.

Ésta ya de origen claramente Cristiano, recibe su nombre de los cuarenta días en los que Jesucristo probó su fe vagando por el desierto. Comienza con el Miércoles de Ceniza, justo cuarenta jornadas antes de la Semana de Pasión. Doña Cuaresma tiene la obligación de invitar a los fieles a rememorar la prueba de Jesucristo viviendo durante ese tiempo de manera piadosa y honrada.

La Batalla y el cuadro

Son claramente dos ejércitos enfrentados cara a cara. Sus campamentos de batalla se reconocen de un simple vistazo. A la izquierda está la taberna como cuartel general de las tropas de don Carnal; en frente la Iglesia, reducto desde el que doña Cuaresma dirige a los suyos. Carne a un lado del tablero, pescado en el otro.

Detalle del cuadro de Brueghel

Juan Ruiz, Arcipreste de Hita nos cuenta su visión de la batalla en uno de los pasajes del “Libro del Buen Amor”; de la pelea que ovo don Carnal y la Cuaresma.

Como recogería “el Viejo” en su tabla, el Miércoles de Ceniza don Carnal y doña Cuaresma se retan a combate a campo abierto. Las huestes del primero están compuestas por jabalíes, gamos, jamones, cerdos y todo tipo de carnes. El ejército que dirige la Cuaresma; verduras, pescados y mariscos y todo aquel vegetal a su alcance.

La batalla de “placeres” duraría todo un día y sin un vencedor claro ambos bandos se retiran a descansar a sus campamentos. Pero la desenfrenada y desmesurada actitud de Carnal le lleva a celebrar un copioso festín en el que la comida y la bebida abundaron por doquier.

El Combate de don Carnal y doña Cuaresma./Pieter Brueghel el Viejo

Naturalmente la fiesta afloja los ánimos de los seguidores de Carnal, y el sueño y la resaca los convierten en blanco fácil. Cuaresma aprovecha esta debilidad y apresa a su enemigo ese mismo día; el Miércoles de Ceniza.

La historia continúa como en una de las mejores novelas con la fuga de don Carnal de su cautiverio el Sábado de Gloria. Dando así entrada a una nueva época de renacimiento. De resurrección; la primavera.

Y así se vive en la actualidad esta eterna batalla entre los placeres y la fe. Como pintaría el flamenco, la plaza del mercado, bulliciosa de mercancías y gentío se verá libre de “profanadores de la palabra” como hiciera Jesús en el Templo, para convertirse en escenario de procesiones y demostraciones de fe. Para volver, el Domingo de Pascua a ser territorio inexpugnable, al menos hasta la próxima aparición de la Cuaresma del señor don Carnal.

 

 

Tamman Azzam, el “Picasso” Sirio

Pedro González Sí, ya se que las obras de Arte de Tamman Azzam poco tienen que ver con el cubismo, ni con las formas del malagueño. También se que algunos son más dados reconocerlo como una especie de Goya de este tiempo, pero tanto monta; Picasso bebió de Goya y Goya a su vez de Velázquez… lo explicaré un poco más en profundidad.

Hace años, conocí a una professoressa italiana de Arte Contemporáneo. Durante sus lecciones hablaba de Picasso comparándolo con un cannibale, no por ningún tipo de parecido con el doctor Lecter, más bien por su capacidad de devorar la sustancia artística de otros iguales, la asimilación de estilos y formas y el genio de unir bajo sus piezas “trozos” de aquí y de allá. En definitiva, una bestia devoradora de arte que se empapaba de todo lo que llegaba hasta él.

Ilustración de Picasso./ Juanjo Sáez “El Arte: conversaciones imaginarias con mi madre

Así es Tamman Azzam. Un artista que se lleva lo mejor de otros grandes a sus obras en un intento de unir Oriente con Occidente; en un arrebato de canibalismo artístico que gira en torno a uno de los conflictos bélicos más lamentables de este nuevo siglo: La guerra de Siria.

Azzam nace en Damasco en 1980; años después estudiará en la Facultad de Bellas Artes de la capital donde se especializará en pintura al óleo. La historia de este joven estado se ha visto siempre inmersa en movimientos políticos sometidos la mayoría de las veces a los antojos de potencias europeas. La “Primavera Árabe” (2011), se acabará por convertir en la chispa que enciende el polvorín que durante años ha sido Siria estallando una guerra (la cual me niego a llamar civil) que hará que Tamman Azzam se vea obligado a abandonar su país.

El “Museo Sirio”

Como un Guernica, o como la colección de grabados “los Desastres de la Guerra” goyescos, Azzam, crea bajo el nombre de Museo Sirio, una serie de obras con un mismo hilo conductor: el desastre sirio.

La lejanía de su tierra y los horrores del conflicto obligan al artista a tratar el tema de la guerra utilizando unas formas bien distintas de la pintura al óleo en la que se había centrado su carrera. La fotografía se convierte en la ventana a través de la cual consigue tomar contacto con la realidad de su pueblo.

We Love You Mr. President./Tamman Azzam

La edición fotográfica es entre otras técnicas la nueva paleta que utilizará Tamman para pintar las verdades de su tiempo.

Por medio de agencias, fotógrafos o medios de comunicación, el artista recibe estos lienzos cargados de belicismo, en lo cuales se encargará de incluir su esencia particular, tomando prestados iconos del Arte Occidental.

Goya, Matisse, Klimt o Andy Warhol son algunos de los referentes artísticos que decide utilizar dentro de sus piezas. El objetivo: unir Oriente y Occidente a través de la guerra. Denominador común en la historia mundial, los conflictos bélicos siempre han sido fuente de inspiración para artistas de todas las épocas. En este caso, Azzam, se siente obligado a tomar posesión de modelos de reconocidos occidentales para que su obra alcance sentido fuera del marco sirio. Los fusilamientos de Goya, se transportan a las calles de una ciudad siria como reflejo de las incesantes atrocidades diarias derivadas de la guerra. El Elvis duplicado de Warhol o los sueños más extraños de Dalí también tienen cabida entre sus piezas.

La pintura mural, concretamente el graffiti también entra dentro de este Museo Sirio, pero la incapacidad de realizarlas en territorio hostil hace que se queden en bocetos o que se transporten a otras superficies para las que no fueron creadas.

La obra de Tamman, de este Picasso sirio, es uno más de los medios a través de los cuales este pueblo grita y pide auxilio. Mientras Azzam edita fotografías, yo escribo esta columna y ustedes la leen, un país se destruye ahogado por la sangre de los suyos. Ojalá las guerras dejen de servir de lamentable inspiración para los artistas de tiempos futuros.